Le Fonds national de création a été établi par le Centre national des Arts (CNA) et lancé le 1er novembre 2017. Chaque année, le Fonds investit deux millions de dollars dans le développement de neuf à onze créations canadiennes ambitieuses et passionnantes en théâtre, en danse, en musique et en arts d’interprétation interdisciplinaires.
Productrice artistique, Fonds national de création
Sarah Conn
Sarah Conn was appointed Artistic Producer of the NAC’s National Creation Fund in January 2024.
Sarah Conn is an interdisciplinary performance creator, producer, and curator. Her practice is centered in collaboration across disciplines, and the creation and dissemination of new performance. Her career layers together institutional and independent practice, collaborations with local communities and high-profile artists, international touring and hyper local work, and traditional and experimental productions. Her creative work includes site responsive performance installations and live art rooted in relationship and community, which have toured to festivals and galleries in Canada, Ireland, the Czech Republic, Switzerland, and England. Her research and writing focus on curatorial frameworks, creative process design, interdisciplinary collaboration, and the politics of co-existence. Her writing has been published in Canadian Theatre Review, Dance Research Journal and TURBA.
She is a passionate collaborator, and has supported hundreds of Canadian artists of all disciplines in the creation, presentation, and touring of work on national and international stages. As the National Creation Fund’s inaugural Artistic Associate and Senior Manager of Artist Engagement, she has collaborated with artists across Canada to create 88 bold new performance works, develop new creation methodologies, and drive emergent curatorial practices. The resulting productions have toured to 33 countries and won many awards, including the UK’s Olivier Award. She has developed partnerships with industry leaders including artEquity, Centre for Sustainable Practice in the Arts, and Fogo Island Arts.
Sarah holds a Master of Arts in Performance Curation from the Institute for Curatorial Practice in Performance. She is a recipient of the Ontario Arts Council’s Pauline McGibbon Award and is a Siminovitch Prize Protégé.
Sarah Conn a accédé au poste de productrice artistique du Fonds national de création du CNA en janvier 2024.
Sarah est une créatrice, productrice et programmatrice de spectacles interdisciplinaires. Sa pratique est centrée sur la collaboration entre les disciplines ainsi que sur la création et la diffusion de nouvelles productions. Sa carrière mêle projets institutionnels et indépendants, collaborations avec des communautés locales et des artistes de renom, tournées internationales et projets très locaux, et productions traditionnelles comme expérimentales. Ses créations vont d’installations-performances contextuelles à des projets d’arts vivants ancrés dans les relations et la communauté et ont été présentées de festivals en galeries au Canada, en Irlande, en République tchèque, en Suisse et en Angleterre. Dans ses recherches et travaux d’écriture, elle se penche sur les cadres de sélection d’œuvres, la conception de processus créatifs, la collaboration interdisciplinaire et les politiques de coexistence. Ses écrits ont été publiés dans Canadian Theatre Review, Dance Research Journal et TURBA.
Passionnée par la collaboration, elle a soutenu des centaines d’artistes au pays, toutes disciplines confondues, dans la création, la présentation et l’organisation de tournées de productions destinées à la scène nationale et internationale. En tant que première collaboratrice artistique et gestionnaire principale du soutien aux artistes du Fonds national de création, elle a travaillé aux côtés d’artistes des quatre coins du Canada pour monter 88 spectacles ambitieux, élaborer de nouvelles méthodologies de création et favoriser des pratiques de la scène émergentes. Ces productions ont été présentées dans 33 pays et ont remporté de nombreuses récompenses, dont un prix Olivier au Royaume-Uni. Elle a établi des partenariats avec des chefs de file du secteur comme artEquity, le Centre for Sustainable Practice in the Arts et Fogo Island Arts.
Titulaire d’une maîtrise en programmation de spectacles de l’Institute for Curatorial Practice in Performance, Sarah Conn a reçu le prix Pauline McGibbon du Conseil des arts de l’Ontario ainsi que le prix de la protégée Siminovitch.
Si vous avez des questions sur le Fonds national de création qui ne figurent pas dans notre liste de questions courantes, écrivez-nous à l’adresse Emily.Calongcagong@nac-cna.ca.
L’équipe de sélection
Notre équipe de sélection est composée de la productrice artistique du Fonds, de membres des équipes de direction artistique du CNA, et d’experts externes du milieu des arts de la scène. Pour chaque proposition reçue, une équipe de sélection comprenant la productrice artistique du Fonds, un membre des équipes de direction artistique du CNA et deux experts externes du milieu des arts de la scène évaluera dans quelle mesure le projet répond aux critères d’investissement du Fonds.
Directrice artistique, Théâtre anglais
Nina Lee Aquino
Nina Lee Aquino is a renowned Filipino Canadian director, dramaturg, artistic leader, teacher, and mentor. She previously served as Artistic Director at Cahoots Theatre (2009–2012) and Factory Theatre (2012–2022). Currently, Nina is the Artistic Director of the National Arts Centre English Theatre. She edited the country’s first two-volume Asian Canadian play anthology and co-edited the award-winning inaugural book on Asian Canadian theatre. In addition, she holds an adjunct professorship at York University's Theatre Department and serves on the board of directors for the Professional Association of Canadian Theatres. Her numerous accolades include the Canada Council for the Arts’ John Hirsch Prize for Directing, the Toronto Theatre Critics Award for Best Director, the Toronto Arts Foundation’s Margo Bindhart and Rita Davies Cultural Leadership Award, and three Dora Mavor Moore Awards for Outstanding Direction.
Nina Lee Aquino est une metteuse en scène, conseillère dramaturgique, directrice artistique, pédagogue et mentore d’origine philippino-canadienne. Directrice artistique du Cahoots Theatre de 2009 à 2012 et du Factory Theatre de 2012 à 2022, elle occupe actuellement le poste de directrice artistique du Théâtre anglais du Centre national des Arts. Elle a dirigé la publication des deux tomes de la toute première anthologie de pièces canado-asiatiques et a codirigé celle d’un premier ouvrage primé sur le théâtre canado-asiatique. Elle occupe également un poste de professeure associée au Département de théâtre de l’Université York et siège au conseil d’administration de l’Association professionnelle des théâtres canadiens. Parmi les nombreuses récompenses qui lui ont été décernées, mentionnons le prix John-Hirsch de mise en scène du Conseil des arts du Canada, un Toronto Theatre Critics Award pour la meilleure mise en scène, le prix de leadership culturel Margo Binhardt et Rita Davies de la Toronto Arts Foundation ainsi que trois prix Dora Mavor Moore pour la meilleure mise en scène.
Gestionnaire de la planification artistique, Orchestre du CNA
Daphne Burt
Daphne Burt is the manager of artistic planning for the Canada’s National Arts Centre Orchestra. With music director Alexander Shelley, she leads the program planning for the full season of the NAC Orchestra, where her passions are discovering new voices and supporting the work of Canadian artists.
Throughout her career in classical music, including programming for the Milwaukee Symphony Orchestra and the Saint Louis Symphony Orchestra, she has worked with a long list of conductors and composes alike, including Pinchas Zukerman, Oliver Knussen, Xian Zhang, Joana Carneiro, Howard Shore, Philip Glass, and Ana Sokolovic.,
As artistic manager for the Milwaukee Symphony Orchestra, Ms. Burt was a founding member of Symphonic Pops Consortium which, from within the orchestra industry, develops new programs of popular music for North American Orchestras.
Daphne has called Canada home for the past 20 years. She hails from south Georgia, where she learned bassoon and piano, and her childhood delights were old movies, marching band, and her family’s catfish restaurant.
Daphne Burt est gestionnaire de la planification artistique de l’Orchestre du Centre national des Arts. En partenariat avec le directeur musical Alexander Shelley, elle assure la planification de la programmation de la saison complète de l’Orchestre du CNA, où elle aime particulièrement découvrir de nouvelles voix ainsi que soutenir les œuvres d’artistes d’ici.
Au cours de sa carrière dans le domaine de la musique classique, notamment à la programmation de l’Orchestre symphonique de Milwaukee et de l’Orchestre symphonique de Saint-Louis, Burt a travaillé avec de nombreux chefs d’orchestre, compositrices et compositeurs, parmi lesquels Pinchas Zukerman, Oliver Knussen, Xian Zhang, Joana Carneiro, Howard Shore, Philip Glass et Ana Sokolović.
En tant que responsable artistique de l’Orchestre symphonique de Milwaukee, elle a été une membre fondatrice du Symphonic Pops Consortium qui, au sein même du milieu orchestral, concocte des programmes de musique populaire inédits destinés aux orchestres nord-américains.
Daphne Burt vit au Canada depuis une vingtaine d’années. Elle est originaire du sud de la Géorgie, où elle a appris le basson et le piano. Enfant, elle adorait les vieux films, les fanfares et le restaurant de poisson-chat de sa famille.
Productrice générale, Musique populaire et Variétés
Heather Gibson
Heather Gibson is responsible for all non-orchestral music curation, and summer and community programming at the National Arts Centre (NAC). Heather and her team work with artists from all backgrounds -- from the most exciting new artists to the all-time greats -- to bring the best of the world to the NAC's stages, and the best of Canada to the world.
Since joining the NAC team in 2016, Heather has been connecting and elevating artists via innovative and inclusive programs around the globe, including: EXPO 2020 in Dubai, which showcased the breadth and diversity of Canada’s performing arts community and brought 130 artists to the UAE over six months; COP15, the United Nations' biodiversity conference in Montreal; and the Global Network for Women Music Producers, an initiative to support women and non-binary music producers that so far totals 35 members in six countries, offering an international network for producers and a resource for artists and record labels.
Heather’s commitment to the constantly evolving landscape of the arts continues by working to develop emerging performers, and deliver an equitable representation on our stages for women, BIPOC, and LGBTQ2S+ artists. In a direct and immediate response to the Covid-19 pandemic, in March 2020 Heather created the emergency artist relief fund #CanadaPerforms, which provided a season's worth of funding to nearly 700 performing artists and authors, non-profit festivals, and organizations. In the pandemic's first six months, #CanadaPerforms distributed almost a million dollars to arts workers across the country.
Originally from Manitoba, Heather built her career in the performing arts in Halifax, where she was a successful artist manager, co-owner of Halifax's iconic queer listening room The Company House, and producer of multiple festivals and special events, including the Halifax Jazz Festival and In the Dead of Winter Music Festival.
Heather Gibson est responsable des activités non orchestrales, ainsi que de la programmation estivale et communautaire au Centre national des Arts (CNA). Entourée de son équipe, Heather travaille avec des artistes de tous horizons – des jeunes espoirs aux grandes vedettes – pour ouvrir la scène du CNA aux artistes du monde entier et faire rayonner les talents canadiens à l’international.
Depuis son arrivée au CNA en 2016, Heather s’attache à promouvoir et à épauler les artistes en prenant part à de nombreux programmes novateurs et inclusifs partout dans le monde. Parmi ceux-ci, mentionnons l’EXPO 2020 de Dubaï qui a mis en lumière l’étendue et la diversité du milieu des arts de la scène au Canada avec la venue de 130 artistes aux Émirats arabes unis sur une période de six mois, la Convention sur la diversité biologique à Montréal (COP15) et le Réseau mondial pour productrices musicales, une initiative visant à soutenir les femmes et les personnes non binaires spécialisées en production musicale. En plus d’être une plateforme de réseautage international, cette initiative qui réunit 35 membres de six pays sert de ressource pour les artistes et les maisons de disques.
Heather s’est donné pour mission d’appuyer le paysage artistique en constante évolution en cultivant de nouveaux talents et en assurant une représentation équitable sur scène des femmes, et des artistes qui se définissent comme étant noirs, autochtones, de couleur et 2ELGBTQ+. Dès les prémices de la pandémie de COVID-19, Heather a créé en mars 2020 #CanadaEnPrestation, un fonds d’urgence qui a permis d’offrir un soutien financier pendant une saison à près de 700 artistes de scène, auteurs, autrices, festivals sans but lucratif et organisations. Au cours des six premiers mois de la pandémie, #CanadaEnPrestation a versé près d’un million de dollars aux personnes qui œuvrent dans le milieu artistique à l’échelle nationale.
Heather est originaire du Manitoba, mais c’est à Halifax qu’elle a bâti sa carrière dans le domaine des arts de la scène où elle a été agente d’artistes, copropriétaire de l’emblématique salle de spectacle queer The Company House, et productrice de nombreux festivals et événements spéciaux, notamment le Festival de jazz d’Halifax et le In The Dead of Winter Music Festival.
Directeur artistique, Théâtre autochtone
Kevin Loring
Kevin Loring is an accomplished Canadian playwright, actor and director and was the winner of the Governor General’s Award for English Language Drama for his outstanding play, Where the Blood Mixes in 2009. The play explores the intergenerational effects of the residential school system. It toured nationally and was presented at the National Arts Centre in 2010, when Loring was serving as the NAC’s Playwright in Residence.
A Nlaka’pamux from the Lytton First Nation in British Columbia, Loring created the Songs of the Land project in 2012 in partnership with five separate organizations in his home community. The project explores 100-year-old audio recordings of songs and stories of the N’lakap’amux People. Loring has written two new plays based on his work with the community including Battle of the Birds, about domestic violence and power abuse, and The Boy Who Was Abandoned, about youth and elder neglect.
A versatile artist and leader Loring has served as the co-curator of the Talking Stick Festival, as Artist in Residence at the Vancouver Playhouse Theatre, as Artistic Director of the Savage Society in Vancouver, as a Documentary Producer of Canyon War: The Untold Story, and as the Project Leader/Creator, and Director of the Songs of the Land project in his home community of Lytton First Nation.
Dramaturge, acteur et professeur canadien accompli, M. Loring a remporté le Prix du Gouverneur général pour la dramaturgie de langue anglaise, en 2009, pour sa pièce remarquable intitulée Where the Blood Mixes. L’œuvre se penche sur les effets intergénérationnels du régime des pensionnats autochtones. La pièce a été présentée en tournée dans tout le pays, et notamment au Centre national des Arts en 2010 alors que M. Loring y était l’auteur dramatique en résidence.
Nlaka’pamux de la Première Nation Lytton en Colombie-Britannique, M. Loring a créé le projet Songs of the Land en 2012, en partenariat avec cinq organisations distinctes de sa collectivité natale. Cette initiative puise dans 100 ans d’enregistrements sonores des chants et récits du peuple N’lakap’amux. M. Loring a écrit deux nouvelles pièces basées sur ce travail avec la collectivité : Battle of the Birds, sur la violence familiale et l’abus de pouvoir, et The Boy Who Was Abandoned, sur la négligence à l’égard des jeunes et des aînés.
Artiste et leader polyvalent, Kevin Loring a œuvré comme coorganisateur du Talking Stick Festival, artiste résident au Vancouver Playhouse Theatre, directeur artistique de la Savage Society à Vancouver, producteur du documentaire Canyon War: The Untold Story, et fer de lance, créateur et directeur du projet Songs of the Land dans sa collectivité natale de la Première Nation Lytton.
Caroline Ohrt has held a variety of positions in various cultural organizations, acquiring a solid knowledge of the arts ecosystem, management and governance. She has built strong local, national and international professional network which allowed her to present the highest calibre artists from all over the world at the Place des Arts, Danse Danse’s home. While there, she developed many partnerships. She cultivated opportunities for artists and audiences to meet on multiple platforms, whether at the Musée d’art contemporain de Montréal, at the Arsenal art contemporain or virtually. She actively contributed to the growth of the organization and took to heart the support and development of artists, which remains a cornerstone of her work.
She has also held multiple positions in the world of contemporary arts, including with other dance organizations such as Compagnie Marie Chouinard and, more recently, at the Domaine Forget in Saint-Irénée. With a background in art history, Caroline has advised visual arts collectors and carried out assignments at the Montreal Museum of Fine Arts. She is recognized widely as a person in constant dialogue with the forces that shape contemporary creation.
Recognized for her innovative strategic vision, she is actively involved in the community through her participation on prominent boards and juries. She is vice-president of the Conseil des arts de Montréal and a board member of the École de danse contemporaine de Montréal. Her advice is highly valued for her keen understanding of the cultural milieu and artistic realities.
Le parcours de Caroline Ohrt aura forgé chez elle une solide connaissance de la danse, de l’écosystème des arts, de la gestion et de la gouvernance. Elle a su bâtir un réseau professionnel local, national et international qui lui a permis de présenter des artistes de haut calibre provenant de tous les coins du monde sur les différentes scènes de la Place des Arts.
Son passage à Danse Danse aura été marqué par le développement de partenariats structurants. Elle a cultivé des occasions de rencontres pour les artistes et les publics sur de multiples plateformes, que ce soit au Musée d’art contemporain de Montréal, à l’Arsenal art contemporain, ou de façon virtuelle. Elle a activement contribué à la croissance de l’organisme et a à cœur le soutien et le développement des artistes, pierre angulaire de son travail.
Connue dans le milieu des arts contemporains, elle a occupé de multiples fonctions et accompli des mandats auprès d’autres organismes de danse, notamment à la Compagnie Marie Chouinard et, plus récemment, au Domaine Forget de Saint-Irénée. Forte d’une formation en histoire de l’art, Caroline a aussi conseillé des collectionneurs en arts visuels et accompli des mandats au Musée des beaux-arts de Montréal. Elle est connue pour être une personne en constant dialogue avec les forces vives de la création actuelle.
Saluée pour sa vision stratégique novatrice, elle s’implique activement dans la communauté en participant à des conseils d’administration et des jurys de renom. Elle est actuellement vice-présidente du Conseil des arts de Montréal et administratrice de l’École de danse contemporaine de Montréal. Ses conseils sont recherchés pour sa fine compréhension du milieu culturel et des réalités artistiques.
Directeur artistique, Théâtre français
Mani Soleymanlou
A 2008 graduate of the National Theatre School of Canada, Mani Soleymanlou has lived in Tehran, Paris, Toronto, Ottawa and Montreal, and has worked with such acclaimed directors as Alice Ronfard (Les pieds des anges), Brigitte Haentjens (L’opéra de quat’sous), Claude Poissant (Rouge gueule, The Dragonfly of Chicoutimi), Serge Denoncourt (Projet Andromaque, Les trois mousquetaires), Olivier Kemeid (Furieux et désespérés), Denis Bernard (Ce moment-là) and Eric Jean (Variations sur un temps).
He is best known as the founding artistic director (2011) of the Montreal-based theatre company Orange Noyée. His distinctive artistic practice investigates notions of community identity (Un/One, Deux/Two, Trois/Three) and social relationships (Ils étaient quatre, Cinq à sept, 8). He pursued this approach more recently in Neuf [working title] and Zéro presented in fall 2019 in Montreal and Ottawa, and also in various artistic collaborations over the years: Lapin blanc, Lapin rouge, Les Lettres arabes II, and À te regarder, ils s’habitueront. Mani Soleymanlou was part of the impressive team behind Gabriel Dumont’s Wild West Show (premiered at the NAC in October 2017), as director and co-artistic director.
Mani Soleymanlou est sorti de l’École nationale de théâtre du Canada en 2008. Celui qui a vécu à Téhéran, Paris, Toronto, Ottawa et Montréal joue alors au théâtre sous la direction de metteurs en scène comme Alice Ronfard (Les pieds des anges), Brigitte Haentjens (L’opéra de quat’sous), Claude Poissant (Rouge gueule, The Dragonfly of Chicoutimi), Serge Denoncourt (Projet Andromaque, Les trois mousquetaires), Olivier Kemeid (Furieux et désespérés), Denis Bernard (Ce moment-là) et Eric Jean (Variations sur un temps).
Mais c’est surtout à la tête d’Orange Noyée, compagnie qu’il fonde en 2011, qu’il expose sa démarche singulière, interrogeant l’identité communautaire (Un, Deux, Trois) aussi bien que les interactions sociales (Ils étaient quatre, Cinq à sept, 8). Une démarche qu’il a poursuivi plus récemment dans Neuf [titre provisoire] puis Zéro présenté l’automne dernier à Montréal et Ottawa, mais également à travers différentes collaborations artistiques au fil du temps : Lapin blanc, Lapin rouge, Les Lettres arabes II et À te regarder, ils s’habitueront. Mani Soleymanlou a fait partie de l’imposante équipe duWild West Showde Gabriel Dumont, créé au CNA en octobre 2017, à titre de metteur en scène et codirecteur artistique.
Organisatrice en arts de la scène, animatrice et consultant
Erin Clark
Erin Clark is a performance artist, author and world champion athlete. Erin is internationally trained in aerial dance, theatre and performance.
In NYC, as part of the aerial comedy duo Flaming Mermaid Broken Star (2013-2015), Erin created the persona of "International Sex Icon" to explore the relationship between disability and sexuality, power and social status.
When she left NYC, Erin continued to perform as an International Sex Icon across social media using selfies to play with her place/role/positioning in physical and digital space. Her self-portraits and short films, focused on de-sentimentalizing her physical body and it’s shapes and movements, have been featured in digital art spaces such as Deaf Poets Society and Corporeal Khôra.
While living in Spain, Erin added pole sports to her aerial repertoire and became a two-time national champion (2017, 2018), and the wheelchair parapole world champion in 2018, setting an undefeated world record. She documented and published the training and competition process as an act of resistance to the ways that her accomplishments as a disabled person were being co-opted and tokenized.
Erin became a paragliding pilot where she transformed a broken wheelchair into one that can fly. She wrote the story of her life and flying wheelchair in If You Really Love Me, Throw Me Off the Mountain (EyeCorner Press, 2020). During the Disability Filibuster broadcast in 2021, Erin performed a live reading of her book for seven, unbroken hours while lying in bed. She was accompanied by ASL interpreters and live captions.
Erin is an award-winning nonfiction writer and the co-author of the upcoming The Breakup Artist (Audible). Her essays on disability tropes and representation in arts and entertainment have appeared in CBC, Gay Mag, and Refinery29.
Artiste de scène, autrice et athlète championne du monde, Erin Clark a suivi des formations en danse aérienne, en théâtre et en performance partout dans le monde.
À New York, dans le cadre du duo aérien comique Flaming Mermaid Broken Star (2013-2015), Erin a créé un personnage de « sexe-symbole international » afin d’explorer les liens entre handicap et sexualité, pouvoir et statut social.
Lorsqu’elle a quitté la ville de New York, Erin a continué à incarner son personnage de sexe-symbole sur les médias sociaux, utilisant des égoportraits pour jouer avec sa place, son rôle et son positionnement dans l’espace physique et numérique. Ses autoportraits et courts métrages tentent de rompre avec la vision sentimentale du corps physique, de ses formes et de ses mouvements, et ont été présentés dans divers espaces numériques, comme Deaf Poets Society et Corporeal Khôra.
Alors qu’elle vivait en Espagne, Erin a ajouté les sports sur barre verticale à son répertoire aérien. Elle a été championne nationale à deux reprises (2017 et 2018) et championne mondiale de sport sur barre verticale (parapole) en fauteuil roulant en 2018, établissant ainsi un record encore inégalé. Elle a documenté et publié son processus d’entraînement et de compétition pour contester la manière dont ses réalisations, en tant que personne en situation de handicap, étaient récupérées et utilisées de façon purement symbolique.
Erin est devenue une pilote de parapente en transformant elle-même un fauteuil roulant cassé en un fauteuil pouvant voler. Elle a écrit l’histoire de sa vie et du fauteuil roulant volant dans If You Really Love Me, Throw Me Off the Mountain (EyeCorner Press, 2020). Lors de la diffusion en ligne de l’initiative « Disability Filibuster » en 2021, Erin a lu son livre en direct pendant sept heures de suite, étendue dans son lit. Elle était accompagnée d’interprètes en ASL, et des sous-titres étaient présentés à l’écran.
Erin est une autrice primée d’ouvrages non romanesques et co-publiera prochainement The Breakup Artist (sur Audible). Ses articles sur les stéréotypes et la représentation des personnes en situation de handicap dans le secteur des arts et du divertissement ont paru sur le site de la CBC, et dans Gay Mag et Refinery29.
Artiste de la scène, réalisatrice et metteure en scène
Sylvia Cloutier
Iqaluit, Nunavut
Sylvia Cloutier originally from Kuujjuaq, Nunavik (Northern Quebec) living in Iqaluit, Nunavut, is a mother, performing artist, producer, director, well known for performing Inuit throat singing and drum dancing. She has collaborated with many artists all over the world including Think of One from Belgium; Tafelmusik, a Toronto based baroque orchestra; Montréal based DJ Geronimo Inutiq and the National Symphony Orchestra.
Ms. Cloutier is the co-founder of a performance company Aqsarniit producing shows that promote Inuit culture for special events such as the Nunavut Celebration at the Museum of Civilization in April 1999, Toonik Tyme and Alianait festival in Iqaluit, Canadian North’s Nunavut Day Gala in 2007, fashion shows for the Government of Nunavut promoting the high fashion seal skin products.
Ms. Cloutier was the producer for a television series Inuit Piqqusingit with Inuit Communication Systems Limited in 2000 learning about Inuit survival skills across Nunavut. She has also been involved as a motivational speaker for youth events and has worked extensively with creating training for youth in creative projects while addressing social issues such as video production, the development of murals, social theatre, music, dance and circus.
She was the Artistic Director of Qaggiq theatre company in Iqaluit, project manager at the Northern village of Kuujjuaq and collaborator with Social Hip Hop projects with the Blueprints for life team working in Inuit communities in Nunavik and Nunavut. In 2009, Mr. Cloutier was managing the social Circus program CIRQINIQ as the Recreation advisor for Arts & Culture at the Kativik Regional Government, a program developed for youth in Nunavik in collaboration with Cirque du Soleil’s social circus department Cirque du Monde.
She joined her Excellency Governor General Michaëlle Jean on the state visit to Norway and Ukraine in 2009 and was named “Woman of the Year” by Pauktutiit, the national Inuit women’s organization and later received an award for “Outstanding young woman of the year” by Qullit Nunavut women’s organization in 2013. Sylvia is the producer and co-director of TULUGAK bringing together Inuit performing artists from Canada and Greenland since 2011. She is currently a television Producer at Inuit Broadcasting Corporation in Iqaluit.
Originaire de Kuujjuaq, au Nunavik (nord du Québec), Sylvia Cloutier est établie à Iqaluit (Nunavut). Mère, artiste de la scène, réalisatrice et metteure en scène, elle est renommée pour ses interprétations de danses du tambour et chants de gorge inuits. Elle a collaboré avec de nombreux artistes d’ici et d’ailleurs, dont Think of One (Belgique), Tafelmusik (ensemble de musique baroque établi à Toronto), DJ Geronimo Inutiq (Montréal) et l’Orchestre symphonique national.
Mme Cloutier est la cofondatrice de la compagnie artistique Aqsarniit, qui réalise des spectacles axés sur la promotion de la culture inuite pour des événements spéciaux comme les célébrations entourant l’inauguration du Nunavut au Musée canadien des civilisations en avril 1999, le festival Toonik Tyme à Iqaluit, le gala de Canadian North en l’honneur de la Journée du Nunavut en 2007 et des défilés de mode pour le gouvernement du Nunavut visant à promouvoir les vêtements et articles de mode en peau de phoque.
Mme Cloutier a réalisé la série télévisée Inuit Piqqusingit avec Inuit Communication Systems Limited en 2000, émission qui explorait les techniques de survie inuites au Nunavut. Elle a aussi participé à des événements jeunesse comme conférencière spécialiste de la motivation et s’est engagée à fond auprès des jeunes par l’entremise de projets créatifs (production vidéo, peinture murale, théâtre, musique, danse et arts du cirque) à vocation sociale.
Elle a été la directrice artistique de la compagnie de théâtre Qaggiq à Iqaluit et gestionnaire de projet à Kuujjuaq. Elle a collaboré aux projets de hip-hop à vocation sociale de l’équipe de Blueprints for life dans diverses communautés inuites du Nunavik et du Nunavut. En 2009, Mme Cloutier a géré le programme de cirque à vocation sociale CIRQINIQ en tant que conseillère en loisirs (arts et culture) pour l’Administration régionale Kativik. Ce programme à l’intention des jeunes du Nunavik a été conçu en collaboration avec Cirque du Monde, le département de cirque social du Cirque du Soleil.
Sylvia Cloutier s’est aussi jointe à Son Excellence la gouverneure générale Michaëlle Jean à l’occasion de sa visite officielle en Norvège et en Ukraine en 2009, et elle a été nommée « femme de l’année » par l’association nationale de femmes inuites Pauktutiit. En 2013, l’organisation féminine Qullit Nunavut lui a décerné le titre de « jeune femme s'étant le plus distinguée au cours de l’année ». Mme Cloutier est la productrice et codirectrice du collectif TULUGAK, qui réunit des artistes de scène inuits du Canada et du Groenland depuis 2011. Elle travaille actuellement comme réalisatrice de télévision à l’Inuit Broadcasting Corporation (Iqaluit).
Création, production et expertise-conseil en accessibilité des arts
Shay Erlich
Shay Erlich (they/them) is a disability justice world builder living in T:karonto. Their work both creatively and professionally reimagines a disability-centered world where disabled people are empowered to love themselves and live free from stigma, shame, and ableism.
They are a champion of disability inclusion in the arts and media sector – working with organizations such as the City of Toronto Arts and Culture department, Canada Media Fund, DAWN Canada, the National Arts Centre – National Creation Fund; where Shay is a disability-arts curatorial advisor. Shay hosts trainings and develops professional development programs for arts organizations that facilitate the development of meaningful disability inclusion in the field. This includes leading Designing Accessible Futures, a first of its kind leadership development program for emerging disabled artists which also reported on the barriers emerging disabled artists face. Additionally Shay has provided accessibility support to a number of arts festivals across Tkaranto including Luminato Festival, the CoMotion Festival, and the Contact Dance International Film Festival. They are also currently involved with a number of projects as a disability dramaturg developing artistic and creative access to live performance. Shay’s writing on the arts can be found in many publications including The Dance Current, alt.theatre, and The Cripsters.
Shay holds both a BA and MA in Child and Youth Care from Toronto Metropolitan University, and is an accomplished scholar on disability justice and Child and Youth Care practice. They spoke at the 2021 Ontario Child and Youth Care conference as the keynote on their work with the Cyborg Circus Project (2018-2021), a disability-justice informed community arts and social service organization for disabled young people. Shay has also developed curriculum on disability justice and Child and Youth Care for Toronto Metropolitan University and Humber College. Their work on disability and Child and Youth Care can also be found in a number of Child and Youth Care publications including a chapter in Child & Youth Care Across Sectors: Canadian perspectives (2019). Shay and co-presenters were also the first to develop a workshop on Medical Assistance in Dying and Child and Youth Care practice on the implications of Bill C-7 on Child and Youth Care as a profession.
Their body of work also includes a significant dance career. Shay was a co-choreographer and dancer of A Provocation on Wheels I and Safe Words (I didn’t say broccoli) with The Cyborg Circus Project. The film version of A Provocation on Wheels I was part of the festival circuit as a selected short at the Contact Dance International Film Festival, the ReelAbilities Film Festival (Toronto), and the Chinook Festival. Shay’s work with other dance companies includes Heart2Heart by Political Movement, and SPUR of the Moment Shakespeare Collective. Shay has participated in many prestigious residency and artistic development opportunities including The Inkling Incubator (2019), New Blue Kaeja d’Dance Creative Risk Residency (2019) and Dancing Disability Lab (2020). Recently Shay was the inaugural Accessible Futures artist in residence with North York Arts where they choreographed and produced a short dance film Landscapes: Love Letters to Willow which will debut on the festival circuit in later 2023.
Shay Erlich (iel), résidente de Tkaranto, travaille à construire un monde plus juste pour les personnes en situation de handicap. Son travail artistique et professionnel vise à réinventer un monde axé sur le handicap, où les personnes en situation de handicap sont encouragées à s’aimer et peuvent mener une vie exempte de stigmatisation, de honte et de discrimination.
Shay Erlich défend l’inclusion des personnes en situation de handicap dans le milieu des arts et des médias en collaborant avec diverses organisations, comme le service des arts et de la culture de la Ville de Toronto, le Fonds des médias du Canada, le Réseau d’action des femmes handicapées du Canada et le Fonds national de création du Centre national des Arts, où Shay occupe le poste d’expertise-conseil en accessibilité des arts. [MB1] Shay offre des formations et élabore des programmes de perfectionnement professionnel pour les organisations artistiques afin de favoriser une réelle inclusion des personnes en situation de handicap dans le domaine, comme Designing Accessible Futures, un programme de perfectionnent en leadership unique en son genre destiné aux artistes en situation de handicap de la relève, qui met aussi en lumière les obstacles auxquels ces personnes sont confrontées. De plus, Shay a appuyé plusieurs festivals de Tkaranto en matière d’accessibilité, dont les festivals Luminato et CoMotion, et le Contact Dance International Film Festival. En tant que dramaturge en situation de handicap, Shay collabore également à divers projets afin de rendre les spectacles plus accessibles. On peut lire ses écrits sur les arts dans de nombreuses publications, dont The Dance Current, alt.theatre et The Cripsters.
Shay est titulaire d’un baccalauréat et d’une maîtrise en éducation spécialisée auprès des enfants et des adolescents de l’Université métropolitaine de Toronto, et mène des recherches dans ce domaine ainsi que sur les droits des personnes en situation de handicap. Lors de la Conférence de l’Association ontarienne des techniques d’éducation spécialisées de l’Ontario en 2021, Shay a prononcé un discours portant sur le Cyborg Circus Project (2018-2021), une organisation axée sur les droits des personnes handicapées offrant des services sociaux et artistiques aux jeunes en situation de handicap. Shay a élaboré des programmes d’études sur les droits des personnes en situation de handicap pour l’Université métropolitaine de Toronto et le Humber College, et publié des articles sur le handicap et l’intervention auprès des enfants et des adolescents dans plusieurs publications spécialisées, dont Child & Youth Care Across Sectors: Canadian Perspectives (2019). Shay et ses collègues ont aussi été les premiers à présenter un atelier sur les conséquences du projet de loi C-7 sur l’aide médicale à mourir sur le travail d’intervenant auprès des enfants et des adolescents.
Dans le domaine de la danse, Shay a co-chorégraphié et dansé dans les productions A Provocation on Wheels I et Safe Words (I didn’t say broccoli) du Cyborg Circus Project. Le court métrage tiré de A Provocation on Wheels I a été présenté au Contact Dance International Film Festival, au festival de films ReelAbilities de Toronto et au Chinook Festival. Shay a aussi été interprète pour d’autres compagnies de danse, dont Political Movement (Heart2Heart) et Spur-of-the-Moment Shakespere Collective, en plus de prendre part à de nombreuses résidences et occasions de perfectionnement artistique, tels que : The Inkling Incubator (2019), New Blue Kaeja d’Dance Creative Risk Residency (2019) et Dancing Disability Lab (2020). Récemment, Shay a chorégraphié et produit le court métrage de danse Landscapes: Love Letters to Willow, qui fera la tournée des festivals à la fin de 2023, dans le cadre de la première résidence artistique du programme Accessible Futures de North York Arts.
A three-time Canadian Screen Award winner and International Film Music Critics Association Award nominee with over 100 composition credits to his name, Darren Fung (馮浩明) is a highly influential composer who is well-respected in the film, television and concert worlds. His work on Niobe Thompson’s The Great Human Odyssey and Equus: Story of the Horse received widespread critical acclaim, winning the 2016 and 2019 Canadian Screen Awards for Best Non-Fiction Music, and has been presented in concert with orchestras across Canada. His diverse credits include re-envisioning Canada's beloved Hockey Theme for TSN, the theme music for CTV’s Canada AM, numerous orchestral arrangements for artists and orchestras internationally, and film scores that have been heard at prestigious film festivals around the world, including Toronto, Cannes, and Sundance.
In addition to composing, Darren serves on the Board of the Screen Composers Guild of Canada, the public policy leadership development program Action Canada, and as a Program Advisor for the Canadian Film Centre's Slaight Music Residency. In a feeble attempt to counteract the sedimentary lifestyle of a composer, Darren wakes up way too early rowing with the Los Angeles Rowing Club and stays up way too late playing hockey. He is rather awful at both.
Trois fois lauréat des prix Écrans canadiens et sélectionné aux Prix de l’Association internationale des critiques de films, Darren Fung (馮浩明) compte à son actif plus d’une centaine de compositions, ce qui fait de lui une figure influente et très respectée du monde du cinéma, de la télévision et de la musique. Les bandes originales qu’il a créées pour The Great Human Odyssey et Equus: The Story of The Horse de Niobe Thompson ont été encensées par la critique, récompensées du prix Écrans canadiens de la meilleure musique de documentaire (2016; 2019) et interprétées par des orchestres en concert partout au Canada. Darren Fung a réinventé le populaire indicatif du hockey de TSN; composé l’indicatif de Canada AM (CTV); effectué de nombreux arrangements orchestraux pour des artistes et ensembles à l’échelle internationale; signé la bande-son de films présentés dans les plus prestigieux festivals de cinéma du monde, y compris ceux de Toronto et Cannes, et le Festival de Sundance.
Il siège en outre au conseil d’administration de la Guilde des compositeurs canadiens de musique à l'image; participe à Action Canada, un programme de leadership en politiques publiques; et agit comme conseiller pour la résidence Slaight Music du Centre canadien du film. Pour sortir un peu de sa sédentarité, Darren Fung se lève bien trop tôt pour aller ramer au Los Angeles Rowing Club et se couche bien trop tard pour jouer au hockey. Sans grand succès dans les deux disciplines.
Professeur adjoint, SOTA (Université McMaster), artiste, activiste, universitaire
Syrus Marcus Ware
Syrus is a Vanier Scholar, visual artist, activist, curator and educator. Syrus uses painting, installation and performance to explore social justice frameworks and black activist culture. His work has been shown widely, including in a solo show at Grunt Gallery, Vancouver (2068:Touch Change) and new work commissioned for the 2019 Toronto Biennial of Art and the Ryerson Image Centre (Antarctica and Ancestors, Do You Read Us? (Dispatches from the Future)) and in group shows at the Art Gallery of Ontario, the University of Lethbridge Art Gallery, Art Gallery of York University, the Art Gallery of Windsor and as part of the curated content at Nuit Blanche 2017 (The Stolen People; Won't Back Down). His performance works have been part of festivals across Canada, including at Cripping The Stage (Harbourfront Centre, 2016, 2019), Complex Social Change (University of Lethbridge Art Gallery, 2015) and Decolonizing and Decriminalizing Trans Genres (University of Winnipeg, 2015).
He is part of the PDA (Performance Disability Art) Collective and co-programmed Crip Your World: An Intergalactic Queer/POC Sick and Disabled Extravaganza as part of Mayworks 2014. Syrus' recent curatorial projects include That’s So Gay (Gladstone Hotel, 2016-2019), Re:Purpose (Robert McLaughlin Gallery, 2014) and The Church Street Mural Project (Church-Wellesley Village, 2013). Syrus is also co-curator of The Cycle, a two-year disability arts performance initiative of the National Arts Centre.
Syrus is a core-team member of Black Lives Matter - Toronto. Syrus is a co-curator of Blackness Yes!/Blockorama. Syrus has won several awards, including the TD Diversity Award in 2017. Syrus was voted “Best Queer Activist” by NOW Magazine (2005) and was awarded the Steinert and Ferreiro Award (2012). Syrus is a PhD candidate at York University in the Faculty of Environmental Studies.
Lauréat de la bourse Vanier, Syrus Marcus Ware est artiste visuel, activiste, enseignant et organisateur de contenu. Il explore les structures de la justice sociale et de la culture d’activisme dans la population noire à travers la peinture, les installations et les prestations artistiques. Ses œuvres ont notamment été présentées à la galerie Grunt de Vancouver (exposition solo 2068 : Touch Change), à la Biennale des arts 2019 de Toronto (œuvre de commande) et au Centre de l’image Ryerson (Ancestors, Do You Read Us? (Dispatches from the Future) et Antarctica) ainsi que dans le cadre d’expositions collectives à l’Art Gallery of Ontario, aux galeries d’art des universités Lethbridge, York et Windsor, et à Nuit Blanche 2017 (organisation de contenu, The Stolen People; Won’t Back Down). Des festivals de tout le pays ont programmé ses prestations, telles Cripping The Stage (Centre Harbourfront, 2016 et 2019), Complex Social Change (Galerie d’art de l’Université Lethbridge, 2015) et Decolonizing and Decriminalizing Trans Genres (Université de Winnipeg, 2015).
Membre du collectif PDA (Performance Disability Art), Syrus a été le coprogrammateur de Crip Your World: An Intergalactic Queer/POC Sick and Disabled Extravaganza, présenté à Mayworks 2014. Parmi ses projets à titre de commissaire d’exposition, notons That’s So Gay (hôtel Gladstone, 2016–2019), Re:Purpose (galerie Robert McLaughlin, 2014) et le Church Street Mural Project (Church-Wellesley Village, 2013). Il a en outre été coorganisateur de l’initiative de deux ans du Centre national des Arts portant sur les artistes du spectacle handicapés.
Coorganisateur de contenu pour Blackness Yes!/Blockorama, Syrus est aussi l’un des membres principaux de Black Lives Matter (Toronto). Il a obtenu de nombreuses distinctions, tels le Prix TD de la diversité (2017) et le Prix Steinert & Ferreiro (2012). Sacré « Meilleur activiste queer » par le NOW Magazine en 2005, il est doctorant à l’Université York (Faculté des études environnementales).
Directrice générale, Assemblée canadienne de la danse
Karla Etienne
Montréal, Québec
Karla Etienne is the Executive Director of the Canadian Dance Assembly and guest curator at Mandoline Hybride, a dance organization based in Gaspésie. She is a dance artist who has worked with Zab Maboungou/Compagnie Danse Nyata Nyata for more than 20 years. The first graduate of the organization's Programme de formation et d'entraînement artistique et professionnel en danse (PEFAPDA) and an accomplished dancer, Karla has been a part of Zab Maboungou's major works, including the emblematic Mozongi, winner of the Grand Prix du Conseil des arts de Montréal in dance, particularly for "the amazing performance of its performers" in 2015. She has collaborated as a dancer in projects by George Stamos, Kimberley de Jong, Katya Montaignac, Sophie Corriveau and Priscilla Guy.
Karla Etienne has a degree in environment and cultural management and continues to contribute as a performer, mentor, advisor and new philanthropist to artists and arts organizations. Interested in community philanthropy, she is co-founder and co-chair of Philanthropic Conversations in Culture.
Her commitment is recognized today, notably for the renewal of cultural policies concerning equity in the field of art, on all levels of practice, management and dissemination with the institutions and organizations that are responsible, including the Conseil des arts de Montréal. In 2021, she received the Nyata Nyata Stellar Award for service to the greater dance community.
Karla Etienne est directrice générale de l’Assemblée canadienne de la danse et artiste-commissaire invitée chez Mandoline Hybride, un organisme dédié à la danse établi en Gaspésie. Elle-même interprète, elle a travaillé avec Zab Maboungou/Compagnie Danse Nyata Nyata pendant plus de 20 ans. Première diplômée du Programme de formation et d’entraînement artistique et professionnel en danse et danseuse accomplie, elle a participé à plusieurs projets majeurs de Zab Maboungou, y compris l’emblématique Mozongi, qui a remporté le Grand Prix du Conseil des arts de Montréal en danse en 2015, en particulier pour « la performance stupéfiante de ses interprètes ». Elle a aussi collaboré à des projets menés par George Stamos, Kimberley de Jong, Katya Montaignac, Sophie Corriveau et Priscilla Guy.
Diplômée en environnement et en gestion culturelle, Karla Etienne continue de travailler comme interprète, mentore, conseillère et nouvellement philanthrope pour des artistes et des organismes artistiques. S’impliquant dans la philanthropie communautaire, elle est cofondatrice et coprésidente des Conversations philanthropiques en culture.
Aujourd’hui, son engagement est unanimement salué, notamment pour le renouvellement des politiques culturelles liées à l’équité dans le secteur des arts, à tous les niveaux de la pratique, de la gestion et de la diffusion auprès des établissements et organismes responsables, y compris le Conseil des arts de Montréal. En 2021, elle a reçu le prix Stellaire de Nyata Nyata pour sa contribution à la grande communauté de la danse.
créateur de théâtre, conservateur, responsbale artistique
ted witzel
ted witzel (he/him) is a queer theatre-maker and artistic leader from toronto / tkaròn:to, and is the artistic director of buddies in bad times theatre. primarily a director, ted is also variously a dramaturg, curator, teacher, writer, translator, designer, and performer. he has worked with theatres and cultural organizations across canada, the uk, germany, and italy.
ted was a guest curator for the 2023 edition of the summerworks festival and is a member of the theatre committee at the toronto arts council. he recently completed a four-year tenure as artistic associate and laboratory director at the stratford festival, where he oversaw the company’s research and development programs. ted holds a masters of arts management from SDA bocconi and an MFA in directing from york university and canadian stage. in 2018, he was selected as an artistic leadership resident at the national theatre school, and was a member of the banff centre’s 2019 cultural leadership cohort. he has been artist-in-residence at harbourfront centre, buddies in bad times (toronto) and institut für alles mögliche (berlin).
recent directing credits include: sunny drake’s every little nookie (stratford festival), susanna fournier’s what happens to you happens to me (canadian stage), elizabeth rex (theatre@york), the scavenger’s daughter (buddies/paradigm) and LULU v.7 // aspects of a femme fatale (buddies/red light district).
originaire de toronto/tkaròn:to, ted witzel est un créateur de théâtre queer et le directeur artistique de buddies in bad times theatre. en plus de ses fonctions de directeur, il est aussi dramaturge, conservateur, enseignant, auteur, traducteur, concepteur et interprète. il a collaboré avec des théâtres et des organisations culturelles partout au canada, ainsi qu’au royaume-uni, en allemagne et en italie.
programmateur invité de l’édition 2023 du summerworks festival, ted witzel est membre du comité théâtral du conseil des arts de toronto. il a été pendant quatre ans artiste associé et directeur de laboratoire au festival de stratford, où il a chapeauté les programmes de recherche et développement de la compagnie. il est titulaire d’une maîtrise en gestion des arts de l’école SDA bocconi et d’une maîtrise en beaux-arts avec spécialisation en mise en scène de l’université york et de la canadian stage company. en 2018, il a effectué une résidence en leadership artistique à l’école nationale de théâtre du canada. l’année suivante, il a été membre de la cohorte en leadership culturel du centre des arts de banff. il a été artiste résident à l’harbourfront centre, au théâtre buddies in bad times (toronto) et à l’institut für alles mögliche (berlin).
récemment, il a signé les mises en scène d’every little nookie de sunny drake (festival de stratford), what happens to you happens to me de susanna fournier (canadian stage), elizabeth rex (théâtre de l’université york), the scavenger’s daughter (buddies/paradigm), et LULU v.7 // aspects of a femme fatale (buddies/red light district).
Le Comité consultatif national regroupe d’éminents artistes et professionnels des arts qui représentent un éventail de disciplines, de langues, de cultures et de régions. Ce comité conseille l’équipe du Fonds national de création, mais ne prend pas les décisions d’investissement.
Premier chef des concerts jeunesse et partenaire de création
Daniel Bartholomew-Poyser
A passionate communicator, Daniel Bartholomew-Poyser brings clarity and meaning to the concert hall, fostering deep connections between audiences and performers. Daniel Bartholomew-Poyser is concurrently the Principal Youth Conductor and Creative Partner of the National Arts Centre Orchestra, the Principal Education Conductor and Community Ambassador of the Toronto Symphony Orchestra, Artist in Residence and Community Ambassador of Symphony Nova Scotia and Resident Conductor of Engagement and Education of the San Francisco Symphony.
Daniel has conducted the New York Philharmonic, the Houston Symphony, the Carnegie Hall Link Up Orchestra, the Detroit Symphony Orchestra, the Edmonton Symphony Orchestra, the Calgary Philharmonic Orchestra, the Winnipeg Symphony Orchestra, the Vancouver Symphony Orchestra, the Regina Symphony Orchestra, the Canadian Opera Company, the National Symphony Orchestra and is the Music Director of the Kennedy Center Summer Music Institute. He served as Assistant Conductor of the Kitchener-Waterloo Symphony, Associate Conductor of the Thunder Bay Symphony Orchestra, and Cover Conductor with the Washington National Opera.
Daniel hosts the Canadian Broadcasting Corporation’s (CBC) nationally broadcast weekly radio show Centre Stage. He was also the subject of an award-winning, full-length CBC documentary, Disruptor Conductor, focusing on his concerts for neurodiverse, prison, African diaspora and LGBTQ2S+ populations.
Daniel earned his bachelor’s in music performance and education from the University of Calgary and his Master of Philosophy in Performance from the Royal Northern College of Music in Manchester, England.
Communicateur passionné, Daniel Bartholomew-Poyser apporte clarté et sens à la salle de concert, tissant des liens profonds entre le public et les interprètes. Il œuvre actuellement comme premier chef des concerts jeunesse et partenaire de création de l’Orchestre du Centre national des Arts, premier chef des concerts éducatifs et ambassadeur communautaire de l’Orchestre symphonique de Toronto, artiste en résidence et ambassadeur communautaire de l’ensemble Symphony Nova Scotia, et chef résident des concerts éducatifs et de rayonnement de l’Orchestre symphonique de San Francisco.
Il a dirigé les orchestres philharmoniques de New York et de Calgary, les orchestres symphoniques de Houston, Détroit, Edmonton, Winnipeg, Vancouver et Regina, le Carnegie Hall Link-Up Orchestra, la Compagnie d’opéra canadienne et le National Symphony Orchestra, et il est directeur musical du Kennedy Center Summer Music Institute. Ancien chef d’orchestre adjoint de l’Orchestre symphonique de Kitchener-Waterloo et chef associé de l’Orchestre symphonique de Thunder Bay, le maestro a été chef d’orchestre substitut avec le Washington National Opera.
Il anime l’émission de radio hebdomadaire Centre Stage de la Canadian Broadcasting Corporation (CBC), diffusée à l’échelle nationale. Il a également fait l’objet d’un documentaire primé de la CBC intitulé Disruptor Conductor, portant sur ses concerts destinés aux populations neuroatypiques, aux détenus, à la diaspora africaine et aux membres des communautés 2ELGBTQ+.
Titulaire d’un baccalauréat en interprétation musicale et en éducation de l’Université de Calgary, il a obtenu sa maîtrise en interprétation musicale au Royal Northern College of Music de Manchester, en Angleterre.
Directrice des initiatives territoriales et des services aux clientèles, Conseil des arts de Montréal
Paule Beaudry
Montréal, Québec
A true expert in the arts sector, Paule Beaudry has held key positions including Territorial Initiatives and Customer Service Director at the Conseil des arts de Montréal, Executive Director of La danse sur les routes du Québec and Assistant Executive Director at Réseau Scènes. She has also served in coordination and development roles at organizations like les journées de la culture, the Conseil québécois du théâtre and the Québec Association of Puppeteers.
Some of her significant achievements include helping develop dance outreach through major initiatives like Parcours Danse, a biannual international event, the Programme de développement de la danse and the Jouer dehors program. Her strategic vision has had an outsized impact on dance outreach, helping to spread the joy of dance throughout Quebec, Canada and the world and inspiring similar initiatives in other provinces in Canada and even in other areas of the arts.
Her passion for the arts and committed leadership has driven her to take on important responsibilities as a board member for the Conseil des arts et des lettres du Québec and chair of Artenso, a research centre for art and social engagement.
Paule Beaudry’s strategic vision, skill at mobilizing resources and partners and unflagging desire to help advance the arts and culture are unparalleled.
Paule Beaudry possède une vaste expertise dans le secteur des arts, ayant occupé des postes clés, dont ceux de directrice des initiatives territoriales et des services aux clientèles au Conseil des arts de Montréal, de directrice générale de La danse sur les routes du Québec et de directrice générale adjointe de Réseau Scènes. Elle a également été responsable de la coordination et du développement au sein de plusieurs organisations et programmes, notamment les journées de la culture, le Conseil québécois du théâtre et l’Association québécoise des marionnettistes.
Parmi ses principales réalisations, on retient la promotion de la diffusion de la danse par la mise en place d’initiatives majeures telles que la Biennale Parcours Danse, le programme de développement de la danse et le programme Jouer dehors. Sa vision stratégique a joué un rôle déterminant dans le rayonnement de la danse, contribuant à l’expansion de sa diffusion au Québec, au Canada et à l’étranger et ayant inspiré des initiatives similaires ailleurs au Canada et même dans d’autres secteurs artistiques.
Sa passion pour les arts et son leadership engagé l’ont conduite à assumer des responsabilités clés en tant que membre du conseil d’administration du Conseil des arts et des lettres du Québec et présidente d’Artenso – Centre de recherche en art et engagement social.
Paule Beaudry se distingue par sa vision stratégique, sa capacité à mobiliser des partenaires et des ressources et sa volonté constante à contribuer à l’épanouissement des arts et de la culture.
Artiste, compositrice et productrice
Erin Costelo
Halifax , Nouvelle Écosse
A triple threat, Erin has numerous awards to her credit as an artist, songwriter and producer. Her records have received critical acclaim and extensive airplay in Canada, the US and Europe where she has delighted concert audiences for over a decade as both a headliner and opener for such notable legends as Mavis Staples, Dr. John, and Boz Scaggs. She has also shared the stage with Levon Helm’s Midnight Ramble, Amy Helm, Shannon McNally, Matt Anderson and Joel Plaskett.
Erin has arranged music for CBC Radio and CBC TV, she has written horn and string arrangements for Juno award winners Amelia Curran and Stephen Fearing and for Polaris Prize nominated hip hop artist, Aquakultre. She has received numerous commissions for her writing including the Upstream Ensemble, CBC Radio, Symphony Nova Scotia, the Blue Engine String Quartet and the Hourglass ensemble. In 2021, Erin did choral arrangements and mixed the recording for a group of international choristers commissioned by the prestigious Eisteddfod Festival in Wales.
Active sur tous les fronts, Erin Costelo a reçu de nombreuses récompenses en tant qu’artiste, compositrice et productrice. Encensés par la critique, ses albums tournent en boucle sur les ondes au Canada, aux États-Unis et en Europe, où elle donne des concerts devant un public enthousiaste depuis plus de dix ans, en tête d’affiche ou en première partie de légendes comme Mavis Staples, Dr. John et Boz Scaggs. Elle a également partagé la scène avec les Midnight Ramble de Levon Helm, Amy Helm, Shannon McNally, Matt Andersen et Joel Plaskett.
Costelo a signé des arrangements pour CBC (radio et télévision), Amelia Curran et Stephen Fearing, primés aux JUNO (arrangements pour cor et cordes) ainsi que pour l’artiste hip-hop finaliste au prix Polaris Aquakultre. L’ensemble Upstream, CBC Radio, l’Orchestre symphonique de la Nouvelle-Écosse, le quatuor à cordes Blue Engine et l’ensemble Hourglass lui ont tous commandé des œuvres. En 2021, elle a composé des arrangements choraux et mixé l’enregistrement d’un groupe de choristes internationaux commandé par le prestigieux festival Eisteddfod au Pays de Galles.
Dani Fecko is a first generation Canadian of Czech and Slovak descent who lives on the unceded territories of the xʷməθkwəy̓əm, Skwxwú7mesh, and Səl̓ílwətaɬ Nations. She is Executive Director of Fascinator Management. Fascinator consults and coaches internationally and nationally providing curated connections, network program design, tour and producing guidance and strategic planning. She was a Leadership Fellow with the Association of Performing Arts Professionals and a Fellow with ISPA. Dani is a sessional instructor on Cultural Entrepreneurship at Simon Fraser University and is working towards her Human Resources Certificate at BCIT.
She lives with her piano-playing husband, Angus Kellett, as well as many pandemic plants.
Canadienne de première génération d’ascendance tchèque et slovaque, Dani Fecko vit sur les territoires non cédés des Nations xʷməθkwəy̓əm, Skwxwú7mesh et Səl̓ílwətaɬ. Elle est directrice générale de Fascinator Management, une agence qui offre aux artistes et aux organisations du monde entier des services de conseil et d’accompagnement pour faciliter les relations authentiques, les occasions de réseautage, l’organisation de tournées et de productions et l’élaboration d’une planification stratégique. Elle a été membre leader (Leadersip Fellow) de l’APAP (Association of Performing Arts Professionals) et membre de l’ISPA (International Society for Performing Arts). Dani Fecko est chargée de cours en entrepreneuriat culturel à l’Université Simon Fraser et termine son certificat en ressources humaines au British Columbia Institute of Technology (BCIT).
Elle vit avec son mari, le pianiste Angus Kellett, entourée de nombreuses plantes acquises pendant la pandémie.
Debbie Patterson is a Winnipeg playwright, director and actor. Trained at the National Theatre School of Canada, she is a founding member of Shakespeare in the Ruins (SIR), served as Theatre Ambassador for Winnipeg’s Cultural Capital year, and as Artistic Director of the Popular Theatre Alliance of Manitoba. She was the Carol Shields Writer in Residence 2012 at the University of Winnipeg and Playwright in Residence at Theatre Projects Manitoba in 2013/14. She served as Artistic Associate at Prairie Theatre Exchange (PTE) from 2012 to 2018 and was a member of the PTE Playwrights Unit.
She was honoured with the United Nations Platform for Action Committee’s 2014 Activist Award and the Winnipeg Arts Council Making a Mark Award in 2017. She was twice shortlisted for the Gina Wilkinson Prize. She is a proud advocate for disability justice through her work as founding and current Artistic Director of Sick + Twisted Theatre.
She lives a wheelchair-enabled life in Winnipeg and in a cabin on the shore of Lake Winnipeg with her partner and collaborator, Arne MacPherson. She is the matriarch of a family of artists.
Debbie Patterson est une dramaturge, metteuse en scène et actrice. Formée à l’École nationale de théâtre du Canada, elle est membre fondatrice de Shakespeare in the Ruins (SIR); a été nommée ambassadrice du théâtre l’année où Winnipeg a été capitale culturelle du Canada; et a été directrice artistique de la Popular Theatre Alliance of Manitoba. Elle a également été autrice en résidence Carol Shields à l’Université de Winnipeg en 2012 et dramaturge en résidence au Theatre Projects Manitoba en 2013-2014. Elle a occupé le poste d’associée artistique au Prairie Theatre Exchange (PTE) de 2012 à 2018, et a été membre de la Playwrights Unit (cellule dramaturgique) du PTE.
Elle a reçu le prix de l’activiste de l’année 2014 de la Platform for Action Committee des Nations Unies et le prix Making a Mark du Conseil des arts de Winnipeg en 2017. À deux reprises, elle a fait partie des finalistes au prix Gina Wilkinson. Elle est fière de défendre la justice pour les personnes handicapées par l’entremise de son travail en tant que fondatrice et directrice artistique du Sick + Twisted Theatre.
Elle mène une vie active en fauteuil roulant à Winnipeg et dans son chalet sur les berges du lac Winnipeg, avec son partenaire et collaborateur Arne MacPherson. Elle est la matriarche d’une famille d’artistes.
Vice-présidente de la programmation d’Arts Commons
Sarah Garton Stanley (SGS)
Sarah/SGS is VP of Programming at Arts Commons in Calgary and co-stewards historic Birchdale. Formerly the Artistic Producer for the National Creation Fund (NAC). As part of her PhD, in Cultural Studies at Queen’s, she created Massey & Me: Conversations at the End of Theatre. This five-part series formally references the CBC Massey Lectures, and it reflects critically on the genealogical, political, and administrative structures that house professional theatre in Canada.
She is co-founder of SpiderWebShow and FOLDA, the Baby Grand Theatre, was the 1st female Artistic Director at Buddies in Bad Times, and was the inaugural Artistic Associate for The Magnetic North Theatre Festival.
SGS was named a 2022 Arne Bengt Johansson Fellow at The Banff Forum and returned in 2023. She was recently appointed to the board of Alberta Theatre and the Buddies Leadership Advisory Pilot and the National Advisory for the Creation Fund.
Sarah, alias SGS, est vice-présidente de la programmation d’Arts Commons à Calgary et codirectrice du légendaire Birchdale. Elle a également été productrice artistique du Fonds national de création du CNA. Dans le cadre de son doctorat en études culturelles à l’Université Queen’s, elle a créé Massey & Me: Conversations at the End of Theatre, une série de cinq événements de réflexion faisant référence aux conférences CBC Massey. Dans le cadre de cette réflexion critique, SGS explore les structures généalogiques, politiques et administratives qui régissent le théâtre professionnel au Canada.
SGS a cofondé le SpiderWebShow, le Festival of Live Digital Art (FOLDA) et le Baby Grand Theatre, en plus d’avoir été la première directrice artistique du Buddies in Bad Times et la première collaboratrice artistique du Festival de théâtre Magnetic North.
En 2022, elle a été nommée boursière Arne Bengt Johansson du Banff Forum, avant d’y retourner l’année suivante. Depuis peu, elle siège au conseil d’administration de l’Alberta Theatre et au Comité consultatif national du Fonds national de création du CNA, et fait partie du projet pilote de consultation en leadership du Buddies in Bad Times Theatre.
Professeure associée, Département de danse contemporaine, Université Concordia
Angélique Wilkie
Montréal, Québec
Angélique pursued a 25-year career in Europe in dance, circus and music. Performer, dramaturg and mentor, she is active in Montreal’s professional dance community and is the 2022 recipient of the Prix de la danse de Montréal, catégorie Interprète. She participates actively in conversations on equity, diversity and inclusion on the Boards of Festival TransAmériques, La Chapelle scènes contemporaines and Espace Perreault transmissions chorégraphiques. Associate Professor of Contemporary Dance, her research interests focus on decolonial dramaturgies. She holds a Concordia University Research Chair in Ecologies of B/black Performance and is Special Advisor to the Provost on Black Integration and Knowledges. Angélique is a Fellow of the Royal Society of Canada and is a doctoral candidate at the Université du Québec à Montréal (UQAM).
Angélique Wilkie évolue depuis 25 ans dans le milieu de la danse, du cirque et de la musique en Europe. Interprète, dramaturge et mentore, elle dynamise la scène montréalaise de la danse, ce qui lui a valu en 2022 le Prix de la danse de Montréal dans la catégorie Interprète. Membre du conseil d’administration du Festival TransAmériques, du Théâtre La Chapelle et de l’Espace Perreault, elle s’intéresse de près aux questions d’équité, de diversité et d’inclusion. Également professeure agrégée en danse contemporaine, ses travaux portent sur les dramaturgies décoloniales. Elle est titulaire de la chaire de recherche de l’Université Concordia en écologies de la performance noire et conseillère spéciale en matière d’intégration des Noirs et de savoirs noirs auprès de la vice-rectrice exécutive aux affaires académiques de Concordia. Angélique Wilkie est membre de la Société royale du Canada et candidate au doctorat à l’Université du Québec à Montréal.
En septembre 2016, la Fondation du Centre national des Arts a annoncé sa toute première campagne de financement nationale pour soutenir la création de nouvelles œuvres au Canada. À ce jour, la Fondation a recueilli plus de 25 millions de dollars auprès de donateurs privés pour alimenter le Fonds national de création.
LE CENTRE NATIONAL DES ARTS ET LA FONDATION DU CENTRE NATIONAL DES ARTS remercient les personnes et organisations suivantes – ainsi que de nombreux autres généreux Canadiens et Canadiennes – pour leurs contributions à la Campagne d’appui à la création, qui vise à financer le Fonds national de création.
Gail Asper, O.C., O.M., LL.D., et Michael Paterson
Lewis Auerbach et Barbara Legowski
La Fondation Azrieli
Barry M. Bloom
Pierre Boulet et Rosemary Thompson
Kimberley Bozak et Philip Deck
Bonnie et John Buhler
Adrian Burns, LL.D., et Gregory Kane, Q.C.
Alice et Grant Burton
The Canavan Family Foundation
Le très honorable Joe Clark, C.P., C.C., A.O.E., et Maureen McTeer
Michel, Anju, Roman et Angelica Collette
Debbie Collins
Earlaine Collins
Barbara Crook et Dan Greenberg, Danbe Foundation
Thomas d’Aquino et Susan Peterson d’Aquino
Christopher Deacon et Gwen Goodier
Ian et Kiki Delaney
Amoryn Engel
Mohammed A. Faris
Susan Glass et Arni Thorsteinson
Dale Godsoe, C.M.
Shirley Greenberg, C.M., OOnt
Reesa Greenberg
Peter A. Herrndorf et Eva Czigler
Dr. Dianne Kipnes, C.M. & Mr. Irving Kipnes, C.M.
Ambassadeur Bruce Heyman et Vicki Heyman
D'Arcy L. Levesque
Cathy Levy et Martin Bolduc
L’honorable John Manley, C.P., O.C. et Judith Manley
Dr Kanta Marwah
M. Ann McCaig, C.M., A.O.E., LL.D.
Grant J. McDonald, FCPA, FCA et Carol Devenny
Heather Moore
Jane E. Moore
Janice et Earle O’Born
Gail O'Brien, LL.D. & David O'Brien, O.C.
Onex Corporation
Power Corporation du Canada
The Amir & Yasmin Virani Family Foundation
Helle Ottosen and Wade Smith
Karen Prentice, c.r.
The Alan & Roula Rossy Family Foundation
John et Jennifer Ruddy
J. Serge Sasseville
Barbara et Don Seal
Daniel Senyk et Rosemary Menke
The Late Mitchell Sharp, P.C., C.C. et Jeanne d'Arc Sharp
Alexander et Zoe Shelley
Carolyn et Scott Shepherd
Dasha Shenkman OBE, Hon RCM
Phil et Eli Taylor
Robert N C Tennant
Kenneth et Margaret Torrance
Donald Walcot
Jayne Watson
Zed Family
Anonymes (1)
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